En Progreso
EL PODER DE OKINAWA
Las Raíces Musicales de las Islas Ryûkyû
Por John Potter
6. PONIÉNDOSE DE ACUERDO
Música okinawense por no okinawenses
Durante la década de 1980, la música okinawense se hizo más conocida fuera de las islas Ryūkyū. Ello se debió en gran medida a la inclusión de algunos sonidos en su propia música pop. Esto a su vez provocó un mini-boom de la música okinawense en Japón en los años 90, aunque a finales de la década el interés general por la música de Okinawa se había estabilizado. Durante todo este tiempo, los propios artistas okinawenses ampliaron sus actividades fuera de las islas Ryūkyū y tocaron en el extranjero, además de colaborar con músicos de fuera de Okinawa. El interés por la música en Japón tiende a ir y venir, y en la actualidad el entusiasmo general por todo lo relacionado con Okinawa está en calma.
Algunos ya habían descubierto la música okinawense incluso antes. Makoto Kubota, con su banda Sunset Gang, publicó una versión de "Haisai Ojisan" de Shoukichi Kina en el Japón continental ya en 1975. Cinco años más tarde, el propio Kubota produjo el álbum Bloodline de Kina. En la agrupación Sunset Gang estaba Haruomi Hosono, otro músico influido por la música de Okinawa que también apareció en Bloodline. La versión de Kubota de "Haisai Ojisan" se re-editó en 1989 tras un problema con la cinta original, y esta versión se incluyó en el primer álbum de Rough Guide to the Music of Japan, junto con otros temas okinawenses interpretados por artistas de Okinawa o que incluyen música de Okinawa interpretada por músicos japoneses. Con el tiempo, los okinawenses tuvieron su propio álbum en la serie Rough Guide.
Más tarde, Kubota fue más influyente como productor y promotor de la música asiática en entornos modernos que como intérprete. Con su compañera de muchos años Sandii, que se unió a él como corista en la re-edición de "Haisai Ojisan", introdujo un fuerte sabor okinawense en la banda que formaron juntos bajo el nombre de Sandii and the Sunset, y esto es particularmente evidente en el álbum de 1982 Immigrants, que mezclaba pop occidental con algunos elementos de música japonesa y okinawense. Más tarde, Sandii grabó su propia versión en estilo reggae del otro gran éxito de Kina, "Hana", y siguió grabando muy buenos álbumes. El descubrimiento de la música con raíces la alejó gradualmente del pop y el rock occidentales (y, con el tiempo, también de Okinawa) hacia experimentos con otros estilos étnicos. Éstos fueron especialmente efectivos en su "periodo indonesio". Desde hace varios años enseña danza hawaiana y ha grabado varios discos de música hawaiana. Tras haber crecido allí, parece haber encontrado por fin el camino de vuelta a sus propias raíces hawaianas.
Kubota, por su parte, siguió descubriendo y promocionando a otros artistas asiáticos, entre los que destacan los cantantes indonesios Elvy Sukaesih y Detty Kurnia. Más recientemente se ha apasionado por su propio proyecto de músicas del mundo, Blue Asia, en el que ha viajado a distintos países para grabar y colaborar con músicos locales. Tras aventuras musicales en Indonesia, Marruecos, Vietnam y otros lugares, regresó mucho más cerca de casa, a las islas Miyako, para un nuevo proyecto de Blue Asia en el que participó un grupo de abuelas cantantes de entre 80 y 90 años. Las islas Miyako son bien conocidas entre las islas Ryūkyūs como fuente de muchas canciones maravillosas, pero descubrir que estas ancianas seguían cantando para entretenerse fue una revelación para Kubota. También descubrió a un prodigio de diez años, Yuta Fukushima, que canta y toca el sanshin. Todos ellos formaron parte del álbum de Blue Asia Sketches of Myahk, que se publicó a finales de 2009.
En 1980, Sandii participó como vocalista invitado en un álbum de Yellow Magic Orchestra, YMO, creada por Haruomi Hosono junto con Ryuichi Sakamoto y Yukihiro Takahashi, fue en gran parte responsable de la introducción de un nuevo término en la música japonesa: tecnopop. Tras la disolución de YMO, Sakamoto se labró una reputación como compositor de bandas sonoras para películas y otros proyectos en solitario, y es una de las figuras musicales más conocidas de Japón en la actualidad. También se interesó por la música de Okinawa y grabó un álbum, Beauty, que incluía su propia versión de "Asadoya Yunta". Antes de grabar Beauty en 1990, había realizado una gira mundial en la que sus músicos se complementaban con tres coristas que se hacían llamar Okinawa Chans: Misako Koja (más tarde de Nenes), Yoriko Ganeko y Kazumi Tamaki. Todas ellas eran ya muy conocidas en Okinawa, de hecho más tarde grabarían sus propios álbumes en solitario, y probablemente conocían mucho mejor el minyo (canciones folclóricas) okinawense que el propio Sakamoto. La música de influencia okinawense de Sakamoto fue bien recibida por la crítica, pero su forma de cantar es débil y palidece en comparación con los esfuerzos de otros músicos japoneses, y desde luego no son tan logrados como los álbumes de sus propios Okinawa Chans. Yellow Magic Orchestra volvió a reunirse en 2007.
Mientras tanto, otro músico japonés, Ryudo Uzaki, había hecho una versión de la canción "Akabana" de Sadao China, así como canciones de Rinsuke Teruya y Rinken Teruya. Southern All Stars, una de las bandas japonesas más populares de la década de 1990, también incursionó en la música de Okinawa, y su sencillo de 1998 "Heiwa no Ryuka" recibió el cumplido definitivo cuando las Nenes hicieron una versión de este. Menos populares a gran escala que Southern All Stars, pero más interesantes en general como banda con raíces, eran Shang Shang Typhoon. Sobre todo en sus dos primeros álbumes, produjeron una maravillosa mezcla de estilos, muchos de ellos muy influidos por Okinawa. El líder de Shang Shang Typhoon, Koryu, compuso la mayor parte de su material y había sido fan de Shoukichi Kina, al que, según se dice, seguía para aprender más de su música. Al considerar que el laúd sanshin era demasiado difícil de dominar, Koryu adaptó un banjo que había vuelto a encordar para que sonara más como un sanshin. Shang Shang Typhoon se viste de colores en el escenario y sus actuaciones suelen tener lugar al aire libre, donde les gusta convertir el ambiente en un carnaval o festival. Su música también es bastante "champloo", ya que bebe mucho de las influencias asiáticas de Okinawa, Japón y China. A medida que su música evolucionaba, empezaron a incluir más música latinoamericana en sus actuaciones, que son únicas por su forma estilizada y vistosa, pero a la vez juguetona. En Japón se les confundía a menudo con un grupo de Okinawa.
Mucho menos conocidos que los anteriores eran Zelda, cuatro mujeres japonesas que tocaron juntas durante muchos años en una banda de inspiración punk que también incluía música okinawense en su repertorio. Una de sus integrantes, Sachiho, estaba casada con el músico japonés Donto. El extrovertido Donto, licenciado por la prestigiosa Universidad de Kioto, era cantante y guitarrista de una banda de rock llamada Bo Gumbos que una vez dio un concierto en Kawasaki como telonero de Shoukichi Kina y la agrupación Champloose. Evidentemente, fue una experiencia que cambió la vida de Donto, quien se sintió muy influido por la música de Okinawa tras la disolución de Bo Gumbos y que llegó a grabar música muy arraigada, además de dedicarse al sanshin. En 1995 grabó un álbum titulado Indonesian Sea Food como parte de una unidad llamada Uminosachi, que incluía a su esposa Sachiho, y que era una mezcla innovadora e inusual de música con influencias principalmente indonesias. El álbum incluía la excéntrica canción de Donto "Yoiyoi", inspirada en Okinawa, en la que toca el sanshin. También se trasladó a Okinawa con su familia y a menudo tocaba música a dúo con Sachiho. Justo cuando se estaba convirtiendo en uno de los músicos más interesantes del momento, murió repentina e inesperadamente de una hemorragia cerebral mientras estaba de vacaciones en Hawaii en 2000, a la edad de 37 años. Como muchos de los músicos japoneses que quedaron cautivados por Okinawa y su música, Donto nunca fue una gran estrella, pero su pérdida fue muy sentida entre otros músicos que habían intentado seguir un camino similar. Poco después de su muerte se celebró un concierto en su memoria y se recopilaron y reeditaron sus álbumes. Sachiho participó en la compilación del doble álbum Itto Zo Donto Super Best, que reúne sus trabajos favoritos de todos los periodos de su carrera. Get on Up, una "Historia de Bo Gumbos, Vol. 1" también se publicó junto con un DVD en 2006. Sachiho sigue viviendo en Okinawa, donde promueve el legado musical de Donto, y ha actuado como parte del trío de influencia india Amana.
Takashi Nakagawa, de Osaka, fue otro de los que empezó a replantearse su propia música tras escuchar a Shoukichi Kina. En su caso, fue a raíz de escuchar la canción "Ainu-Puri", que él mismo grabaría en su segundo álbum de Soul Flower Union. Soul Flower Union se formó cuando dos bandas, Newest Model y Mescaline Drive, unieron sus fuerzas y nació la asociación de compositores formada por Takashi Nakagawa y Hideko Itami. Desde sus inicios rockeros, se convirtieron rápidamente en una banda asombrosamente completa y variada, que se desenvolvía con soltura en una gran variedad de estilos y cuyas aventuras musicales abarcaban las culturas okinawense, ainu y coreana. También hubo una breve incursión en el jazz y el swing, y luego un encuentro con el músico y productor irlandés Donal Lunny, que ayudó a producir el álbum en solitario de Nakagawa, Lost Homeland. Un proyecto paralelo fue Soul Flower Mononoke Summit, inspirado en el chindon, una especie de Soul Flower Union alternativo, que comenzó durante el Gran Terremoto de Hanshin de enero de 1995, cuando Nakagawa y sus amigos se desenchufaron para tocar en las calles para los damnificados de Kobe. Le siguieron tres álbumes de Soul Flower Mononoke Summit, y el clásico "Fukko Bushi" -cantado para las víctimas del terremoto- se incluyó en el primer álbum de Rough Guide to the Music of Japan. Nakagawa es también coautor de la mejor canción pop japonesa de la década de 1990, "Mangetsu no Yube", que cuenta con Nakagawa en la voz y el sanshin.
Entre los colaboradores de Soul Flower se encuentran el neoyorquino Samm Bennett, el experto en chindon Wataru Okuma, la acordeonista irlandesa Sharon Shannon y el saxofonista Kazutoki Umezu. La banda tocó como invitada en el álbum Rainbow Movement de Kina junto con Zelda, Donto y integrante s de The Boom, y Nakagawa apareció con el maestro okinawense Seijin Noborikawa en un anuncio de televisión para NTT, la compañía telefónica nacional de Japón. Los integrante s de Soul Flower colaboraron posteriormente con Noborikawa en su propio álbum Spiritual Unity. Soul Flower también ha tocado con Tetsuhiro Daiku, quien se unió a ellos en la grabación de su sencillo "Mangetsu no Yube". En una entrevista que le hice a Nakagawa en el concierto del primer aniversario del terremoto, dijo lo siguiente sobre su descubrimiento de la música de Okinawa y cómo le llevó a introducir otras influencias y a interesarse más por su propia música y cultura japonesas:
"Cuando escuché "Ainu-Puri" en un álbum de Shoukichi Kina y Champloose me sorprendió que un artista de Okinawa cantara sobre el pueblo ainu. Más tarde, un canal de televisión por cable nos pidió que hiciéramos un concierto con Champloose. Así que conocimos a Kina y tocamos juntos, y decidí que deberían ser tanto japoneses como okinawenses quienes cantaran este tipo de cosas. El álbum Uchina Jinta de Tetsuhiro Daiku fue otra sorpresa: un músico de Okinawa cantaba viejas canciones japonesas y mezclaba su propia música con el chindon. La música chindon que hacemos ahora está, por supuesto, influenciada por Daiku".
Soul Flower Union continúa su viaje en montaña rusa inspirándose y adaptando música de cerca y de lejos a su propio estilo. Su excitante música nunca ha pretendido ser okinawense, irlandesa ni nada por el estilo: es ante todo música de Soul Flower, pero el sanshin se ha convertido en un elemento permanente de su formación y ya nadie se sorprende cuando Nakagawa cambia libremente de la guitarra eléctrica al sanshin durante una actuación en vivo. El tercer álbum de Mononoke Summit, Deracine Ching Dong, incluye algunas canciones okinawenses, así como "Majimun Jamboree", del propio Nakagawa, escrita en estilo okinawense. Mejor aún es "Henoko Bushi", de Soul Flower Union, una canción de Nakagawa que se ha utilizado como llamado contra la propuesta de construir una base militar estadounidense en el pueblo de Henoko, en Okinawa.
Durante los últimos años, Hideko Itami, integrante de Soul Flower, ha estado viviendo en Okinawa con su marido, el legendario músico irlandés Donal Lunny, que divide su tiempo entre Irlanda y Okinawa. Itami ha estado trabajando como jefa del comité organizador del Peace Music Festa, un festival anual de música en Okinawa cuyo propósito es llamar la atención sobre los peligros para las personas, el medio ambiente y la vida salvaje, del traslado de la enorme base aérea militar estadounidense de Ginowan (donde ella vive) al pueblo de Henoko, más al norte de la misma isla. Aunque sólo puede unirse a Soul Flower Union ocasionalmente, debido a la gran distancia que la separa, sigue siendo muy activa como integrante de su unidad alternativa Soul Flower Mononoke Summit. Donal Lunny también ha actuado en Okinawa y Japón como parte de la Flying Dugong Band junto con el saxofonista Kazuroki Umezu y la intérprete de kalimba Hiromi Kondo. El trío ha publicado un CD, Dreaming Dugongs of Henoko.
Sin duda, el grupo de más éxito en la década de 1990, sin embargo, en cuanto a ventas de música y en llevar la música de Okinawa a un público japonés más amplio, fueron The Boom, liderados por el cantante y compositor Kazufumi Miyazawa. En 1993, Miya (como se le conoce habitualmente) y The Boom tuvieron un enorme éxito con su canción "Shimauta". La canción estaba escrita deliberadamente al estilo de un shimauta okinawense, Miya interpretaba el sanshin, y fue filmado en el vídeo promocional paseando por la pequeña isla Taketomi, parte de las islas Yaoyama, el más tradicional de los escenarios okinawenses. La canción se estrenó originalmente en Okinawa en diciembre de 1992 y existen dos versiones, una en japonés estándar y otra en uchinaguchi, en la que Miya contó con la ayuda de Shoukichi Kina para la letra. Su éxito en Okinawa propició su aparición en el Japón continental, donde se convirtió en un éxito masivo. La potente voz de Miya se apoya tanto en la guitarra eléctrica como en el sanshin y evoca imágenes y pensamientos tanto de guerra como de amor. En su momento se debatió si "Shimauta" era una "verdadera" shimauta o no. Desde hace tiempo, su popularidad entre otros artistas le ha dado el sello de aprobación. Desde el músico chino Jiang Jian Hua, que ha hecho una delicada versión instrumental en erhu (violín chino de dos cuerdas), hasta la okinawense Yoriko Ganeko, que grabó un arreglo lento y sensible en su álbum Kui nu Hana. Miya y Kina también han interpretado la canción juntas en el escenario. "Shimauta" ha demostrado su durabilidad y adaptabilidad convirtiéndose en un clásico moderno. Al principio de su carrera discográfica, The Boom se inspiraban en el ska, y su evolución les llevó a incorporar influencias de Okinawa en su camino hacia la inmersión en la música de Brasil. A pesar de que Miya parece más interesado en sus proyectos brasileños en los últimos años, sigue siendo la canción "Shimauta" por la que The Boom son recordados con más cariño en Japón. La influencia no ha sido totalmente unidireccional y no sólo los okinawenses han afectado a los japoneses. Irónicamente, el redescubrimiento por parte de Soul Flower Union de su propia música japonesa fue provocado en parte por Tetsuhiro Daiku, que ha grabado viejas canciones japonesas junto a minyo (canciones folclóricas) de Yaeyama, mientras que los músicos de Okinawa, como Ayame Band, han grabado ondo, una forma de música japonesa que se toca en festivales. En el Japón continental hay muchos jóvenes que se interesaron por la música de Okinawa gracias a un contacto inicial a través de escuchar The Boom o de alguno de los músicos japoneses aquí mencionados. Sin embargo, también hay muchos más que no van más allá y no es raro encontrar a muchos japoneses que creen que The Boom y Shang Shang Typhoon son ellos mismos músicos okinawenses. Para ellos, éste será su único contacto con la música okinawense.
Fuera de Japón ha habido mucho menos interés por la música okinawense en cuanto a que sea grabada por músicos extranjeros o incorporada a su propia música. “Hana" de Kina ha sido versionada muchas veces, como vimos, y ha habido dos CD de Various Artists en los que cada tema es una versión diferente de "Hana", aunque es discutible quién los compraría exactamente. La canción llegó a Tarika Sammy de la mano de Henry Kaiser, que la tocó para ellos y les ayudó a crear una versión en idioma malgache que grabaron en 1992. Pero antes, en 1988, Kaiser había tocado él mismo el sanshin en una versión de "Haisai Ojisan" cantada por Richard Thompson y que aparece en el álbum Live, Love, Larf & Loaf, recientemente reeditado, en el que participan French, Frith, Kaiser y Thompson. Casi merece la pena conseguir este álbum, por lo demás anodino, sólo para escuchar a Richard Thompson, uno de los grandes guitarristas y compositores de la tradición inglesa, cantando la ágil "Haisai Ojisan" en la lengua de Okinawa. No se puede decir que lo hagan especialmente bien, pero es sorprendente que lo hicieran. Presumiblemente, Henry Kaiser fue el responsable de encontrar la canción. Siempre he lamentado no haber pedido "Haisai Ojisan" cuando estaba entre el público en el concierto en solitario de Richard Thompson en Osaka hace unos años y él pidió peticiones.
Anjani Thomas, cantante y música medio okinawense, nació en Honolulú, pero tiene fuertes vínculos familiares con las islas Ryūkyū a través de sus abuelos maternos. Criada en Hawaii, se trasladó a Estados Unidos para estudiar música y ahora reside en Los Ángeles. Cantó en varios discos de Leonard Cohen y colaboró con él en la composición de canciones. En su reciente álbum en solitario, Blute Alert, todas las canciones han sido escritas con Cohen. Su interés por la música de Okinawa y por sus raíces okinawenses la llevó a grabar una versión de una canción de la Rinken Band en su álbum Anjani, del año 2000. Se trata de "Timunikakati", rebautizada aquí como "The Spirit of Love" (El espíritu del amor) y con letra adicional en inglés de Anjani. De hecho, en 1990 grabó un álbum completo de canciones de Rinken Teruya con letras en inglés titulado Okinawa Time, que se publicó originalmente en Taiwán. En él se incluían canciones favoritas de la banda Rinken, como "Arigatou" y "Beru Beru" (esta última en estilo reggae y retitulada "Love at Last"). El álbum contó con la colaboración del propio Rinken Teruya en el sanshin y con los coros de Tomoko Uehara. Fue producido por el músico japonés Osamu Kitajima.
El álbum Okinawa Time se grabó en Los Ángeles hace relativamente mucho tiempo y nunca recibió la atención que merecía. Mirando atrás recientemente, Anjani dice: "¡Parece que lo hice hace cien años!". Para algunas de las canciones de Okinawa Time: "Me resultaba un poco difícil traducir estrictamente la letra, así que a menudo me limitaba a escribir nuevas palabras que encajaran bien con la música de Okinawa". Fue una experiencia gratificante y me dijo que seguiría encantada de volver a trabajar con músicos okinawenses en el futuro. Cree que tanto Hawaii como Okinawa "tienen un ambiente tropical y una similitud musical que no se basa en el pesado ritmo de diez que se encuentra en la música occidental. La música isleña suele estar hecha por gente más relajada".
Música